Giovanni Bellini

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Giovanni Bellini (c. Hoje, Giovanni é reconhecido como o mais inovador e influente da família de pintores Bellini e suas obras vão de retratos a retábulos. As obras-primas incluem detalhes soberbamente detalhados e naturalistas Êxtase de São Francisco pintura e seu hiper-realista Retrato do Doge Leonardo Loredan. O trabalho de Bellini foi extremamente influente em seus contemporâneos venezianos, e isso continuou através do trabalho de seus alunos, entre os quais Ticiano (c. 1487-1576 DC).

A família Bellini

Giovanni Bellini nasceu c. 1430 DC, filho do conhecido artista veneziano Jacopo Bellini (c. 1400 - c. 1470 DC). O irmão mais velho de Giovanni era Gentile Bellini (c. 1429-1507 DC), que também se tornou um artista famoso. Gentile Bellini foi muito bem-sucedido como artista da corte de Frederico III, Sacro Imperador Romano (r. 1452-1493 DC) e do Sultão Mehmed II, governante do Império Otomano (r. 1444-46 e 1451-81 DC). Gentile também trabalhou em várias encomendas para os Doges de Veneza, mas, apesar desses clientes ilustres, foi a contribuição de Giovanni para a arte ocidental que seria mais apreciada pelos críticos das gerações subsequentes.

O uso de tintas a óleo depois de Bellini em sua carreira permitiu cores mais vivas e ricas, camadas maiores e trabalho mais rápido.

A família de artistas Bellini trabalhou em estreita colaboração na mesma oficina em Veneza. Os dois irmãos são conhecidos por terem colaborado em algumas das obras de seu pai, por exemplo, no Descida de Jesus ao Limbo painel retábulo, agora no Museu Cívico de Pádua. Giovanni até terminou a pintura de seu irmão Gentile São Marcos Pregando em Alexandria, agora na Pinacoteca di Brera de Milão. Na verdade, atribuir com precisão certas obras a Giovanni é problemático devido ao grande número de assistentes que trabalham na oficina da família Bellini e à variação do estilo do artista ao longo dos anos. Finalmente, outra conexão artística familiar era o cunhado de Giovanni, Andrea Mantegna (c. 1431-1506 dC), que se casou com sua irmã Nicolosia e que era famoso por seu uso inovador da perspectiva em pinturas e afrescos.

Trabalhos iniciais

Embora tenha usado algumas das ideias de seu pai em cadernos de desenho, o estilo de Giovanni acabaria se afastando drasticamente do de seu pai, que, nas poucas obras que sobreviveram, é bastante austero em comparação. Como outros artistas da Renascença, Bellini estava muito interessado em dar a suas pinturas um senso de profundidade e perspectiva. Isso pode ser visto em trabalhos como o Crucificação de meados da década de 1450 CE e c. 1465 CE têmpera em peça de madeira A agonia no jardim (National Gallery, Londres). Na pintura anterior, Bellini parece ter se preocupado muito mais em representar um fundo panorâmico realista do que as principais figuras em primeiro plano. Há uma profundidade real quando uma estrada sinuosa e aparentemente interminável eventualmente desaparece nas colinas distantes. Outra característica notável é o redemoinho vagamente definido de querubins acima da cruz. A coloração tonal e as figuras alongadas são típicas dos primeiros trabalhos de Bellini e lembram o estilo de seu pai. Outro exemplo do uso do artista de cores sombrias para cenas de luto no início de sua carreira é seu Cristo Morto Apoiado por Nossa Senhora e São João, pintado em meados da década de 1460 dC e agora na Pinacoteca di Brera de Milão.

Into Color

No meio da carreira, Giovanni parece ter mudado seu foco para o colore técnica (também conhecida como colorito), isto é, usar a justaposição de cores contrastantes para definir uma composição. Isso pode refletir a influência do célebre pintor a óleo Antonello da Mesina (c. 1430-1479 dC) após sua estada em Veneza entre 1475 e 1476 dC. O próprio Messina teve contato com os métodos dos pintores a óleo flamengos, pioneiros em seu realismo na arte. o Doge Leonardo Loredan retrato (National Gallery, Londres), pintado c. 1500 dC, é um bom exemplo de Bellini usando essa técnica em ação. O retrato é tão hiper-realista que parece curiosamente uma versão bidimensional colorida de um busto de escultura. Os detalhes finos da pintura podem refletir a influência do pintor alemão Albrecht Dürer (1471-1528 dC), que era muito admirado por Bellini pela precisão de suas pinceladas. Outro desenvolvimento no trabalho de Bellini foi usar o meio muito mais versátil da pintura a óleo em vez da têmpera, que ele havia usado quase exclusivamente no início de sua carreira. As tintas a óleo permitiam cores mais vivas e ricas, camadas maiores e trabalho mais rápido.

Uma pintura onde a fonte de luz está sendo usada para adicionar cor à cena e selecionar elementos de fundo em grande detalhe é a Êxtase de São Francisco (também conhecido como São Francisco no Deserto), concluído em 1480 CE e agora na Frick Collection, Nova York. A luz parece banhar positivamente o santo e a escrivaninha atrás dele. Outra característica interessante é a quantidade de objetos e animais pintados por Bellini para simbolizar episódios da vida de Francisco ou para indicar pobreza e humildade, princípios básicos pelos quais viviam os membros da ordem franciscana. Aos olhos modernos, a figura de São Francisco parece incidental ao plano de fundo da paisagem, com seus penhascos cinzentos e distante da cidade fortificada. Como observa o historiador da arte e ex-diretor da National Gallery de Londres, Philip Hendy, Bellini "se tornou um dos maiores pintores de paisagem. Seu estudo da luz externa foi tal que se pode deduzir não apenas a estação retratada, mas quase a hora do dia" . É bastante curioso que um pintor que vive na Veneza encharcada de água desenvolva tal paixão por paisagens.

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À medida que o estilo de Bellini mudou, também mudou o foco de seu assunto: de cenas religiosas devocionais a muitas outras mitologias naturalistas na última parte de sua carreira. Veja, por exemplo, seu brilhante e lúdico Festa dos deuses pintando agora na National Gallery of Art, Washington. Outro desenvolvimento tardio na obra de Bellini foi a adoção de uma abordagem mais erótica para as figuras femininas, de acordo com a tendência geral da arte renascentista do início do século XVI dC. Ao longo de sua carreira, Bellini foi encomendado por personalidades ricas e importantes, mas eles não eram exatamente os patronos elevados e poderosos de outros artistas da Renascença, como o Papa por Michelangelo (1475-1564 dC) e Cosimo I de 'Medici, duque de Florença (r. 1537-1569 CE) para Benvenuto Cellini (1500-1571 CE). Não foi fácil persuadir tais figuras obstinadas a aceitar inovações e, portanto, talvez Bellini tivesse a vantagem de alguns outros grandes artistas.

Retábulos

Bellini produziu cinco retábulos principais para igrejas de 1470 CE a 1513 CE. Estes foram para o Pesaro, Frari, San Giobbe, San Zaccaria e o San Giovanni Crisostomo em Veneza. Os painéis centrais desses altares estão no sacra conversazione tema, que é a Virgem com o Menino rodeado de santos e simpatizantes. Peças monumentais com vários metros de altura, os painéis do altar são elaboradamente emoldurados para imitar os desenvolvimentos contemporâneos na arquitetura e são muito maiores e mais atraentes do que os retábulos produzidos em outros lugares, como na Holanda. Em uma homenagem à história bizantina de Veneza, alguns desses retábulos incluem efeitos de mosaico de ouro nos interiores abobadados da arquitetura de fundo.

Bellini usa pequenos truques de perspectiva que parecem dar às suas figuras mais espaço para existir.

A peça de San Zaccaria é frequentemente considerada a melhor do lote e, completa c. 1505 dC, é curiosamente piedoso e tranquilo. Esse clima, melhor visto no painel central de 5 metros (16 pés 4 pol.) De altura, é obtido pelo fundo arquitetônico simétrico, que é curiosamente aberto nas laterais para uma paisagem de árvores e, portanto, não pretende apenas estender as paredes do Igreja. Um efeito calmante mais explícito vem do número reduzido de figuras do que era tradicional em tais cenas e da disposição e atitude dessas figuras, todas olhando para baixo. Existem também pequenos truques de perspectiva que parecem dar às figuras mais espaço para existirem. Essas técnicas incluem as colunas atrás das colunas, o piso xadrez e o teto abobadado. Apesar da tranquilidade da cena, Bellini não negligenciou seu amor pelas cores, visto nas vestes vibrantes de azul, vermelho, amarelo e verde.

O Grande Conselho de Veneza

Apesar de seus sucessos, Giovanni ainda era um tanto ofuscado por seu irmão Gentile em sua própria vida, principalmente por causa de sua idade avançada. Um exemplo disso é a encomenda aos gentios de completar um grande ciclo de pinturas históricas para o Grande Conselho de Veneza. No entanto, em 1479 EC Gentile foi despachado para Constantinopla em uma missão diplomática e Giovanni foi a escolha natural para continuar o trabalho. Ele o fez, acrescentando talvez sete pinturas inteiramente novas à coleção. Os críticos consideraram essas novas telas como as melhores do artista, mas, infelizmente para a posteridade, um incêndio devastou o edifício um século depois em 1577 dC e destruiu todas as obras de arte.

Legado

Sempre um pintor prolífico, Bellini continuou trabalhando até os oitenta anos. Obras-primas posteriores incluem A embriaguez de Noé (1514 CE) e o Senhora em seu banheiro (1515 CE). Como afirmou o famoso pintor renascentista alemão Albrecht Dürer em 1506 dC, Bellini "era muito velho, mas ainda assim o melhor em pintura" (Hale, 47). Bellini morreu em Veneza em 1516 dC e foi sepultado ao lado de seu irmão na Basílica di Santi Giovanni e Paolo da cidade.

Giovanni Bellini influenciou a arte renascentista não apenas pelos efeitos de seu próprio trabalho sobre seus contemporâneos, mas também por meio de três de seus aprendizes mais famosos: Palma Vecchio (c. 1480-1528 dC), Giorgione (c. 1478-1510 dC) e Ticiano. Em suma, as obras, a oficina e os alunos de Bellini juntos garantiram que, em vez do domínio anterior da linha e da forma, agora a cor e as pinceladas tivessem precedência na arte renascentista. Enquanto o Dicionário Tâmisa e Hudson do Renascimento Italiano afirma corajosamente: "Bellini mudou o curso da pintura veneziana e lançou as bases para uma revolução na história da arte europeia." (46).


Crítica: Obras-primas de Bellini no Getty constituem uma das melhores exposições em museus do ano

Em sua representação de Jesus recém-ressuscitado do túmulo e levantando a mão direita em uma bênção gentil, pintada por volta de 1500, Giovanni Bellini representa o salvador do Cristianismo como o amanhecer da manhã. Na extrema direita, a torre do sino de uma cidade distante perfura o horizonte incandescente, pronta para dobrar e anunciar a chegada de um novo dia.

Nesta obra-prima extraordinária - uma das 12 fotos em "Giovanni Bellini: Paisagens da Fé na Veneza Renascentista", recém-inaugurada no Museu J. Paul Getty - o nascer do sol está raiando, seu céu estriado de nuvens lavado em manchas diáfanas de laranja, amarelo, rosa e azul. No entanto, o sol não pode ser a fonte da iluminação do corpo, que vem da direção oposta na frente esquerda.

O sombreamento conta a história - não menos importante na sombra requintada do braço levantado caindo sobre o peito classicamente definido da figura. A iluminação pictórica é impossível, mas totalmente crível, milagrosa, mas convincente. Esmaltes suaves e translúcidos de tinta a óleo fazem a pintura brilhar com uma luz interna.

No meio-termo, galhos estéreis de uma árvore morta sobem ao lado da mão abençoada de Cristo, justapondo um símbolo de morte e a cruz com um gesto de salvação. Por meio da arte, a figura radiante e a paisagem luminosa se unem.

O uso brilhante da paisagem por Bellini é o tema da exposição de Getty, que está entre as exposições de museu mais emocionantes dos Estados Unidos neste ano. Bellini lançou a chamada Idade de Ouro da pintura veneziana, caracterizada pela cor sensual e luminosa e o agudo refinamento conceitual em uma exibição de tirar o fôlego em "Bênção de Cristo".

A última vez que lembro de ter visto um número considerável de suas pinturas em uma exposição de museu americano foi há 11 anos, quando "Bellini, Giorgione, Ticiano e a Renascença da Pintura Veneziana" estava na National Gallery of Art em Washington, DC. O trabalho de Bellini é pintado em painéis de madeira e os empréstimos são difíceis de negociar. Essa exposição inovadora teve seis pinturas maravilhosas do artista.

Os 12 do Getty foram reunidos a partir de coleções públicas e privadas em Veneza, Florença, Paris, Londres, Estados Unidos e em outros lugares.

Notavelmente, o curador sênior da Getty, Davide Gasparotto, organizou o que parece ser a primeira exposição monográfica sobre o artista em um museu americano. É modesto em tamanho (há também um desenho, uma "Natividade" de cerca de 1470) e cabe em uma única galeria, mas é uma sala de excepcional graça e poder artístico.

A mostra é fortemente focada em pinturas devocionais ao invés de retábulos e obras maiores nas quais Bellini também se destacou. As pinturas devocionais são destinadas à contemplação, de perto e pessoal, um a um. Quatro crucificações lado a lado em uma parede oferecem uma impressionante variedade de abordagens sobre um único tema central para a fé.

O mesmo acontece com uma segunda parede com três versões de São Jerônimo, o eremita-eremita do final do século IV, que se retirou da sociedade por longos períodos de solidão no deserto da Síria. Uma é de cerca de 1455, quando Bellini estava apenas começando a forma e cor de sienna queimada do leão feroz, mas sofredor com um espinho afiado cravado em sua pata estendida, que o santo compassivo removeria, é estranhamente ecoado na formação rochosa do caverna em que o enrugado Jerome se senta.

O próximo é de 30 anos depois, e o terceiro é de 20 anos depois disso, uma década antes do fim da vida de Bellini (ele morreu em 1516). A essa altura, o Renascimento veneziano estava em pleno andamento. Todo o arco da carreira de Bellini se desdobra.

Para os clientes ricos que poderiam encomendar uma pintura devocional - e para a nossa sorte no museu hoje - a visão de São Jerônimo mergulhado em um estudo cuidadoso representa a mesma análise contemplativa na qual o observador está envolvido. O espelho artístico de Bellini cria um vínculo poderoso.

Mas a reflexão particular do artista também explora uma diferença profunda. São Jerônimo é sempre mostrado debruçado sobre um manuscrito escrito. (Ele foi o primeiro a traduzir o hebraico, aramaico e grego da Bíblia para o latim, uma linguagem mais universal e, portanto, mais influente.) Em vez de palavras, uma pintura é um objeto físico e concreto. Bellini pintou “a Palavra” em forma artística.

Os três painéis de São Jerônimo abrangem os materiais de pintura empregados por Bellini. O primeiro é em têmpera, um meio duro, durável, antigo que permite uma linha nítida e brilho acetinado o terceiro é em tinta a óleo, com efeito suave, transparente, luminoso e entre eles, o segundo é uma mistura dos dois , têmpera e óleos.

É um mito que Bellini introduziu a pintura a óleo, aperfeiçoada no norte da Europa, na Itália, e que ele abandonou a têmpera quando percebeu o poder sedutor da tinta a óleo. Em vez disso, ele usou ambos ao longo de sua vida. Mas é certamente verdade que a chegada dos óleos, seguida do uso de telas em vez de painéis de madeira como suporte, colocou o Renascimento veneziano em órbita nas mãos de Ticiano, Giorgione, Veronese e outros.

Falando em materiais, um dos painéis da crucificação é uma perplexidade. A superfície está repleta de pequenos brilhos, quase como se pedaços brilhantes de purpurina estivessem embutidos na tinta. Gasparotto, o curador, me disse que o efeito pode ser produzido por minúsculos buracos de minhoca, comuns em painéis de madeira de 500 anos.

Nesse caso, eu me pergunto se o brilho pode vir de pequenos pedaços de vidro pulverizado na pintura. (Aparentemente, os pigmentos não foram testados cientificamente.) Uma revelação maravilhosa da grande pesquisa da National Gallery em 2006 foi que muitos artistas misturaram em suas pinturas vidros finamente moídos e coloridos, abundantes nas célebres oficinas de Murano em Veneza. O vidro ampliou a luminosidade colorida da imagem por meio da luz refletida.

Tanto as pinturas de São Jerônimo quanto as crucificações, como a "Bênção de Cristo" e outros painéis, demonstram o ponto principal do show Getty: eles destacam a transformação de Bellini de paisagens naturais passivas em protagonistas ativos.

Uma paisagem Bellini é um personagem de pleno direito. Freqüentemente, é tão complexo e significativo quanto as pessoas retratadas, de quem é inseparável.

Uma das demonstrações mais claras é uma crucificação da coleção Corsini em Florença. Embora um péssimo trabalho de limpeza, realizado há mais de um século, tenha prejudicado a cor, a composição é nítida. O corpo de Cristo está pendurado pesadamente na cruz, seus braços amplamente estendidos formando uma graciosa curva para cima. Atrás e abaixo dele, no terreno intermediário, o contorno de um par de mesas rochosas repete o arco em uma curva paralela.

Mais do que um eco formal ou estilístico para uma simples harmonia pictórica, a repetição enfática une visualmente figura e paisagem, envolvendo a longínqua terra, mar e céu entre elas. Este universo radiantemente fechado contrasta fortemente com a terra árida do Gólgota, onde a cruz foi plantada.

Lá, o crânio e os ossos de Adão estão espalhados pelo primeiro plano empoeirado. A crucificação permanece como o caminho entre o terreno e o celestial, mudando do Antigo Testamento para o Novo. Cristo é o Novo Adão, e a paisagem é nosso guia.

Uma segunda camada emocional muito diferente também reverbera nessa cena angustiante de sofrimento e morte. Os dois arcos erguidos e revirados são como se Jesus e o mundo se unissem em um gesto triunfante de exultação, como um herói diante de uma multidão.

Se a paisagem pintada de Bellini não se parece em nada com a natural árida e dura fora das paredes reais de Jerusalém, onde o evento bíblico aconteceu, é porque sua versão ecoa as extensões macias e verdes à beira-mar do Vêneto. Quando Bellini nasceu, por volta de 1435, Veneza era a cidade mais poderosa da Itália. Mas sua sorte começou a mudar após a queda de Constantinopla para o Império Otomano, quando Bellini ainda era adolescente.

A cidade marítima das lagoas, ainda esplêndida e rica, lentamente se afastou do próspero comércio marítimo de produtos de luxo do Oriente, fonte de sua riqueza histórica, e em direção ao seu futuro para o Ocidente. Lá estava a verdejante paisagem da Itália, que Bellini começou a absorver nos temas de sua arte.

A história de mil anos da cidade com Bizâncio perdurou. O formato frontal de meio comprimento do intensamente focado “Bênção de Cristo” é virtualmente um ícone bizantino - embora agora relaxado por formas suavizadas e temperado com a paisagem italiana observada de perto que se desdobra atrás da figura.

Essas paisagens certamente significaram algo poderoso para os clientes que compraram a arte de Bellini. Afinal, eles eram moradores da cidade. A paisagem pastoril era um refúgio natural da labuta e intrigas urbanas de um lugar construído do zero sobre estacas erguidas sobre pântanos aquáticos. Natureza e sociedade eram reinos diferentes.

Como São Jerônimo deixando Roma para a solidão do deserto, um Doge ou comerciante veneziano poderia conceitualmente recuar pelo estudo silencioso da paisagem em uma pintura devocional requintada. Bellini sabia disso perfeitamente.

Na verdade, ele mesmo pode ter se sentido da mesma maneira. Em seu desenho da “Natividade” em caneta e tinta marrom, a cena rústica do curral da pequena família assistida por um burro, vaca e pastores é cercada do interior italiano, ela própria apoiada por uma vista distante no horizonte de um fantástico horizonte urbano que une torres, cúpulas e parapeitos fantásticos.

A cidade é uma onça virtual. Ele se eleva além de um campo exuberante, um cenário diante do qual um milagre acontece. No nascimento de Bellini, a Renascença veneziana está nascendo.

‘Giovanni Bellini: paisagens de fé na Veneza renascentista’

Onde: J. Paul Getty Museum, 1200 Getty Center Drive, Brentwood

Quando: Até 14 de janeiro fechado às segundas-feiras

Twitter: @KnightLAT

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Giovanni Bellini - História

Bellini

Família italiana de artistas. Principalmente pintores, os Bellini foram indiscutivelmente as mais importantes das muitas famílias que desempenharam um papel tão vital na formação do caráter da arte veneziana. Eles foram os grandes responsáveis ​​pela introdução do estilo renascentista na pintura veneziana e, mais efetivamente do que a família rival Vivarini, eles continuaram a dominar a pintura em Veneza ao longo da segunda metade do século XV. A arte de Jacopo Bellini, um contemporâneo um pouco mais velho de Antonio Vivarini, é estilisticamente transitória. No início de sua carreira, ainda refletia fortemente o estilo gótico tardio de seu mestre Gentile da Fabriano, mas de c. 1440 foi cada vez mais renascentista em caráter. Não é fácil rastrear o desenvolvimento de Jacopo & # 8217s e avaliar com precisão sua realização, uma vez que apenas um pequeno fragmento de sua obra pintada agora sobrevive, mas dois grandes álbuns de desenhos (Londres, BM Paris, Louvre) atestam sua capacidade de inventividade e ao seu envolvimento com preocupações artísticas características do Renascimento.

(b ?1431𔃄 d Veneza, 29 de novembro de 1516).

Pintor e desenhista, filho de Jacopo Bellini. Embora as necessidades profissionais de sua formação familiar possam tê-lo encorajado a se especializar desde cedo em pintura devocional, na década de 1480 ele se tornou um mestre em todos os tipos de pintura praticados na Veneza do século XV. Mais tarde, no final de sua longa vida, ele acrescentou os novos gêneros de pintura mitológica e alegoria secular ao seu repertório de temas. Seu domínio crescente da arte veneziana levou a uma enorme expansão de sua oficina após c. 1490 e isso forneceu o campo de treinamento não apenas para seus numerosos peões e imitadores (genericamente conhecidos como Belliniani), mas provavelmente também para vários dos principais pintores venezianos da geração seguinte. Ao longo de sua carreira, Giovanni demonstrou uma capacidade extraordinária de absorver uma ampla gama de influências artísticas, tanto da tradição veneziana quanto de fora. Ele também supervisionou uma revolução técnica na arte da pintura, envolvendo o abandono gradual do uso tradicional italiano da têmpera de ovo em favor da técnica de pintura a óleo pioneira na Holanda. Foi graças a Giovanni Bellini que a escola veneziana de pintura foi transformada durante o final do século 15 de uma escola de importância principalmente local para outra com reputação internacional. Ele, assim, preparou o cenário para os triunfos da pintura veneziana no século 16 e para a contribuição central que Veneza deveria dar à história da arte europeia.


Giovanni Bellini - História

Nascer : c. 1426-30, Veneza

Faleceu: 1516, Veneza

GIOVANNI BELLINI, como seu irmão Gentile Bellini, começou sua carreira como assistente no estúdio de seu pai, Jacopo Bellini (c. 1400-1470). Seu trabalho inicial, executado em tempera, refletia uma confluência de rigidez bizantina e a precisão analítica dos flamengos. Logo Bellini se treinou para se tornar um dos primeiros mestres nas técnicas de pintura a óleo. Posteriormente, foi influenciado por Donatello (a cujas obras foi exposto enquanto executava com seu pai e irmão a Pala Gattamelata para a Igreja de Sant'Antonio da Padova) e pela obra do marido de sua irmã, Andrea Mantegna.

Em 1479, Bellini havia sucedido seu irmão na execução de um ciclo de grandes cenas históricas para a Câmara do Grande Conselho [Maggior Consiglio] no Palácio do Doge. As seis ou sete telas de Giovanni Bellini da série, aclamadas como uma de suas obras-primas, foram destruídas no devastador incêndio no palácio de 1577.

O tema de Madonna e criança é recorrente na obra de Bellini. Mariolina Olivari comenta em Giovanni Bellini [p. 4], "As pinturas de Bellini são caracterizadas por uma tensão estranha e sutil que sempre liga mãe e filho em uma relação de profundo pathos." Uma das obras mais magistrais de Bellini é a Madonna e Criança entronizada com SS. Peter, Catherine, Luisa e Jerome, pintado em 1505 quando tinha aproximadamente 75 anos. A pintura encontra-se na Igreja de S. Zaccaria. A obra tardia de Bellini, no entanto, é caracterizada por paisagens altamente naturalistas.

Em 1506, o cunhado de Bellini, Andrea Mantegna, morreu após completar apenas uma de um ciclo de quatro pinturas encomendadas por Cav. Proc. (mais tarde Cardeal) Francesco Cornaro (B-60). Em seguida, Cornaro recorreu a Bellini para executar, com seu estúdio, A Continência de Cipião, talvez baseado em um desenho de Mantegna. (Ver P. F. Brown, Veneza e Antiguidade [New Haven, 1996], pp. 252-5.) O pintor e historiador da arte Giorgio Vasari observou em 1568 que Giorgio Cornaro (presum. H-4, sobrinho do Cardeal Cav. Proc. Francesco) tinha em sua coleção naquele vez outra das pinturas de Giovanni Bellini, Cena na Emaus essa obra, embora gravada em gravura e várias derivações de outro artista, não sobreviveu.

No The Uffizi: um guia para a galeria [Veneza: Edizione Storti, 1980, p. 60] Umberto Fortis observou que "Bellini, com sua absorção das conquistas dos maiores mestres da época, traça o próprio desenvolvimento do Humanismo veneziano em sua própria evolução como pintor, para atingir uma autonomia superior e serena de valores composicionais".

Bellini treinou muitos jovens artistas em sua oficina, incluindo Giorgione, Ticiano, Jacopo da Montagna, Rondinello da Ravenna e Benedetto Coda de Ferrara. Ele foi reconhecido em sua própria época como o principal pintor de sua época. Ao visitar Veneza em 1506, o artista alemão Albrecht Durer escreveu: "Ele é o melhor pintor de todos." Os escritores proeminentes de sua época também elogiaram, incluindo Pietro Bembo em seus versos e Ariosto em Orlando Furioso, Canto 33. Nas palavras de Vasari: "Não faltam em Veneza aqueles que se empenharam em homenageá-lo com sonetos e epigramas, como homenageara seu país em vida".


Museu J. Paul Getty

Escrevendo da Itália em 1506, Albrecht Dürer observou que Giovanni Bellini era "muito velho, mas ainda era o melhor na pintura". Giovanni criou a arte suave e luminosa de cores saturadas que trouxe a pintura veneziana para o Renascimento e ajudou Veneza a rivalizar com Florença como o centro da produção artística. Seu pai, Jacopo, chefiou uma oficina de sucesso onde Giovanni e seu irmão Gentile pintaram até cerca de 1470. O estilo linear e precisamente organizado do cunhado Andrea Mantegna também foi uma das primeiras influências. Por volta de 1475, o siciliano Antonello da Messina trouxe a pintura a óleo para Veneza, e Giovanni logo mudou para a nova técnica. Sua visão permaneceu contemplativa e poética, mas seu estilo se tornou mais caloroso e luminoso. Giovanni mostrou que a paisagem pode estabelecer o humor em vez de apenas atuar como pano de fundo, e ele integrou figuras harmoniosamente em suas paisagens.

A grande oficina de Giovanni produziu retábulos, obras devocionais e retratos sensíveis e atraentes, bem como Madonas de meio corpo altamente influentes. Por meio da atividade de sua oficina, Giovanni influenciou direta ou indiretamente os pintores venezianos de sua geração e da geração seguinte, incluindo Sebastiano del Piombo, Lorenzo Lotto e Vittore Carpaccio. Seu trabalho também impressionou profundamente Fra Bartolommeo, que visitou Veneza em 1507. Ele passou sua carreira explorando novas idéias, incluindo aquelas de alunos ilustres como Ticiano e Giorgione.

Trabalhos relacionados

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Obras de arte de Giovanni Bellini

Esta pintura retrata o tema religioso comum do tempo de oração de Cristo no Jardim do Getsêmani antes de ser feito prisioneiro pelos soldados romanos como resultado da traição de Judas. Nesta versão, Cristo se ajoelha em um monte de rocha em oração, enquanto os discípulos, Pedro, Tiago e João, dormem no chão atrás dele. Visível nas nuvens acima do Jesus ajoelhado está um anjo, segurando uma taça e uma patena como símbolos do sacrifício de Cristo por vir. Além dessas figuras em primeiro plano, ao longe, serpenteando ao longo da estrada, estão os soldados romanos com Judas na liderança. A bela parábola religiosa de Bellini atua também como um excelente exemplo de seu respeito pela paisagem natural.

A topografia desta pintura lembra o campo aberto esparso da região de Lombardi. Bellini cresceu em ambientes naturais como este e seu amor pela natureza combinou bem com suas fervorosas crenças religiosas. Apesar de nunca ter viajado além de Mântua, ele estava ciente das descobertas em perspectiva e desenho que estavam sendo feitas em Florença graças às viagens de seu pai Jacopo. Este novo aprendizado inspirou Bellini a apresentar o mundo natural ao seu redor com um realismo e devoção religiosa nunca antes vistos. Na verdade, ele escolheu retratar paisagens com as quais estava familiarizado, em vez de imaginar cenas elaboradas e idealizadas.

Esta pintura é freqüentemente comparada a uma pintura anterior sobre o mesmo assunto de seu cunhado, Mantegna, cuja paisagem é, em comparação, dramática, um tanto apertada e densamente povoada por anjos e soldados nas proximidades. Bellini troca as torres de Mantegna em Jerusalém por pequenas cidades no topo das colinas, muito mais próximas, na realidade, dos assentamentos encontrados na zona rural ao redor de Veneza na época. A escassez do campo permite que a procissão de soldados seja colocada mais para trás, gerando assim uma poderosa sensação de destino iminente - a calma enquanto as nuvens de tempestade se acumulam à distância.

Outro aspecto notável dessa pintura é a representação de Bellini da tentadora luz do amanhecer. O calor rosado do sol nascente é quase tangível, pois atinge o rio e as rochas e inunda o amplo vale além do observador. A luz ondula nas costas das vestes de Jesus com uma iridescência realçada pela adição de ouro ao azul. Continuando a aproveitar a luz e a cor dessa forma, Bellini ganhou sua reputação de mestre na geração de atmosfera.

Tempera no painel - The National Gallery, Londres

Pieta

Pieta retrata o corpo de Cristo morto sendo sustentado por Maria e José. Suas feridas de espada e sua crucificação ainda estão frescas. As três figuras estão posicionadas no primeiro plano central com uma paisagem rural obscurecida (pelas três figuras) desenrolando-se atrás delas.

Esta pintura é significativa porque marca o afastamento de Bellini das práticas estilísticas de Mantegna e da escola Padua. It shows the artist exploring his own, more serene and intimate style a style that was softer than that seen in his previous paintings. His open low-lying landscape is suffused with natural light and opened up yet further by the horizontal fleeting clouds and sky. The stiffly-wrapped drapery of his costumes is replaced by far softer, more sweeping, folds. The grace these peripheral changes add to the image support an intimacy of feeling between the mother and her dead son (for there can be no higher love than that between mother and only son) which is immensely powerful in its tenderness. This was an aspect of Bellini's work that becomes a recognizable feature in his paintings to come. Also noticeable here are the beginnings of his ability to infuse classical themes and compositions with personal interpretation. Though he has a vital compositional function as a third party in the triptych, the somewhat stilted figure of Joseph (when compared to Mary) is still clearly absorbed in personal grief.

The fervour of religiosity so keenly depicted in Bellini's earlier work has dissipated and become something more refined and humanistic. As the art historian Roger Fry put it, "The sorrow which Bellini has here conceived is divine only in its excess of humanity." It is the simple, universal and agonising loss of a mother the viewer feels here over the loss of an ardent disciple. This is, in part, thanks to the development of the artist's rendering of the human figure. The move away from an emphasis on line and contour, towards more modelled planes and shading gives dead weight to Christ's arms and softness to his skin, he is almost ready to slump out of the image.

Tempera on Panel - Pinacoteca Brera, Milan, Italy

The Sacred Conversation

This altarpiece was originally painted for the church of St Giobbe in Venice. It depicts the common religious theme of The Virgin Mary in consultation with a group of saints and a heavenly gathering. In this particular painting the saints depicted are, from left to right, St Francis, St John, St Job, St Dominic, St Sebastian and St Louis. At the base of The Virgin's throne sit three angels with musical instruments.

This painting was the first example of The Sacred Conversation set within the architecture of a Venetian church. Previously, the divine group were set within a heavenly setting, whereas here Bellini brings them right down to earth. In its original place within the church of St Giobbe, the painting would have been surrounded by pillars similar to those within the space of the painting creating the illusion that The Virgin, Christ and all the saints were within reach of the worshipper. This effect would have been intensified by the familiar architecture of the painting, which is so reminiscent of the interior of St Mark's Basilica, the greatest church in Venice. The gold of the cupola and the marble that lines the walls behind the Madonna are both very recognisable features of The Basilica and, having been looted from Constantinople in the 13 th century, were also symbolic of Venetian international power. This use of an architectural setting for biblical scenes went on to influence many future religious painters, notably Fra Bartolomeo in his Mystic Marriage of St Catherine in 1512, now held in the Accademia in Florence.

The warmth of the golden light within this picture may well have been inspired by the sacred and mysterious light of the Basilica generated by the vast quantities of gold on its walls. The atmosphere is certainly one of the reasons this picture is worth noting. By this point Bellini is painting more and more in oil and in this example he uses oil to layer thin layer upon thin layer, giving richness and depth to the light suffusing the scene.

Despite the inviting gesture of St Francis and the delicate rendering of the largely naked figures of St Job and St Sebastian, there is still a removed and slightly distant nature to Bellini's figures here. He is still conforming to the idea of representing a type with the saints, rather than a personality, though this was to change dramatically later on in his career. Here though there is a feeling that he is still displaying his mastery of the skills of lifelike representation and that something of the raw emotion of his earlier Pieta has been sacrificed in the study of St Sebastian's technical positioning and the Madonna's austere expression.

Oil on Panel - Galleria dell' Accademia, Venice

Doge Leonardo Lorodan

Bellini's portrait was most probably completed in the first year of Doge Leonardo Lorondan's rule. It shows the bust of the Doge in full ceremonial dress, in three quarter view, sitting behind a pedestal before an open blue background. The painting is most significant because of its importance to Venetian portraiture and Italian Renaissance art as a whole.

The fifteenth century was witness to big changes in formal approaches to art. The increasing ability of artists to render truly lifelike portraits meant demand soared during the first half of the sixteenth century too. Vasari (writing in 1550) stated that Bellini "introduced into Venice the fashion that everyone of a certain rank should have his portrait painted either by him or by some other master." Though Florence is often considered the forerunner of the Renaissance, Venice's trade links meant the great artists' studios, like Bellini's, were open to advances in other countries, most notably the Netherlands, but also through Sicily, another vibrant trading port.

This portrait shows evidence of a Dutch influence. Firstly, and most notably, the sitter is depicted in three quarter view as opposed to the more usual Italian profile of the time. Though this is not the first use of this technique in Italy it is a prime example of how much more intimate and powerful the viewers' connection to the sitter becomes in this format. Secondly the sitter is positioned behind a pedestal, placing him in space, with the illusion that he is just there on the other side of an opening to the viewer. And lastly, it is painted in oil rather than tempera. Bellini's mastery of this medium, new to Venice and Italy at the turn of the century, enabled him to paint with the subtlety that here renders the Doges' skin so soft and realistic.

The picture also displays the sparseness and the sense of light more closely associated with the Dutch masters. But here Bellini is adapting it for specific reasons. Fiercely and proudly republic, Venice was aware of the dangers of celebrating the power of a single elected individual and the doge was constantly held accountable by his peers. Doge Lorodan campaigned (and won his election) on the strength of these democratic ideals, effectively presenting Bellini with the task of portraying the ruler of Venice without elevating him personally. Subsequently this portrait is possessed with the diffused blue sky light of Venice. The serenity and averted focus of the Doge's eyes perfectly personifies "The Most Serene Republic of Venice" (as it was often called) while the ceremonial robes describe the state's love of pageantry and tie the sitter firmly to his office. This is a picture of the ruling doge as the personification of his proud city.

Oil on poplar board - The National Gallery, London

The Sacred Conversation

This painting, once more an example of oil on board, is widely considered Bellini's finest work. The art critic, John Ruskin, went so far as to describe it as the best painting in the world. It too depicts the common religious theme, the Sacred Conversation. As with many other examples, it shows the Madonna and Child at the centre of the painting, flanked on both sides by the figures of saints, arranged in a traditional pyramidal structure. In this case the saints are, from left to right, St Peter, St Catherine, St Lucy and St Jerome. The group are positioned within sacred architecture, The Madonna and Child enthroned beneath a half cupola.

Made very late on in his career, this painting shows the entirety of Bellini's mastery in rendering the human figure and perspective. It is also an example of how he used color to knit together the composition. The contrasting and complementary arrangements of the robes of the saints generate a harmony between them that is deeper than the simply structural. The poise and serenity of the faces of the saints, St Catherine's far away smile and St Jerome's absorption in his book, give the saints a life of their own with which they are very rarely seen, and which is not present in the earlier St Giobbe altarpiece. Ernst Gombrich describes the significance of this in the popular art history tome "The Story of Art" when he says, "In the earlier days, the picture of the Virgin used to be rigidly flanked by the traditional images of the saints. Bellini knew how to bring life into simple symmetrical arrangement without upsetting its order." Set above a side alter in The San Zaccaria Church in Venice, the painting and its perspectival architecture give, as with the St Giobbe example, the illusion of being simply an extension of the inner space of the church. Thanks to the peripheral views of the open landscape, however, this example gives a greater sense of light and space than its illustrious predecessor.

Oil on board - San Zaccaria Church, Venice

The Feast of the Gods

This is the greatest example of the small number of secular pictures that Bellini made toward the end of his life. The painting is a complicated composition reminiscent of a roman frieze in its horizontal layout. It depicts a scene from Ovid in which some seventeen figures including Bacchus, Hermes, Jupiter, Pan, Neptune and Apollo, feast in the forest. It was commissioned by the duke of Ferrara for his study and thus the subject matter was allowed to be of a more private nature. Many of the goddesses and nymphs have their breasts exposed and Priapus, the man in green to the right-hand side of the painting is attempting to lift the skirt of the sleeping Lotis. There are many symbols of sexuality running through the painting and it is thought the couple in the centre, the lady in peach and the man next to her with his hand between her thighs were portraits of the Duke and his wife.

Though Dosso Dossi made alterations to the painting after Bellini's death (at the behest of the Duke) the main alteration was by Titian who reworked the landscape, while leaving the original Bellini figures intact. The painting is filled with the vibrant colors Bellini was famous for, most notably the blue robe of the young Bacchus on the left. Though these figures are gods there is really very little to delineate them as such. To all intents and purposes this is a naturalistic scene of people enjoying life in the landscape. This interpretation may be due to Bellini's inexperience at this type of painting, but it may also come down to his humanization of mythical characters normally considered beyond the reach of mortality.


Giovanni Bellini

Giovanni Bellini (noin 1430–1516) [1] oli venetsialainen taidemaalari. Bellinin värinkäyttö oli Venetsian koulun tapaan lämminsävyistä ja koloristista. [2] Hän oli ensimmäisten joukossa omaksumassa öljyväritekniikkaa.

Giovanni Bellini on kuuluisin Bellinin suvun taidemaalareista – hänen isänsä Jacopo Bellini [2] ja veljensä Gentile Bellini olivat myös maalareita. Bellinin töistä näkyy hänen lankonsa Andrea Mantegnan vaikutus. Giovannin Bellinin vaikutus venetsialaiseen maalaustaiteeseen oli suuri. Hänen kuuluisimpia oppilaitaan olivat Giorgione ja Tizian.

Muiden aikansa venetsialaisten tapaan Giovanni Bellini ei ottanut kovin vahvoja vaikutteita antiikista, vaan keskittyi uskonnollisiin aiheisiin. Hän teki useita Sacra conversazione -sommitelmia, joissa kuvataan Madonnaa pyhimysten seurassa. Muita Bellinin suosimia teemoja olivat Kristus Getsemanessa ja pietà-aihe. Bellinin parhaana teoksena on pidetty Franciscus Assisilaista. [2]


Art History News

One of the most beloved and influential religious painters of the Italian Renaissance, Giovanni Bellini (Venice, about 1435-1516) was also a master in depicting landscape. His paintings of religious scenes often featured evocative natural settings that were as important and affecting as their human subjects.

On view October 10, 2017, through January 14, 2018, Giovanni Bellini: Landscapes of Faith in Renaissance Venice presents 12 paintings and one drawing that explore the poetic role played by the natural world in the artist’s religious compositions. The exhibition includes several masterpieces that rarely travel, making this an exceptional opportunity to experience the artistic beauty and iconographic complexity of Bellini’s art.

“Giovanni Bellini skillfully employed natural and built features in his imagery to complement religious subjects and enhance the contemplative, meditative potential of his paintings,” said Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “Thanks to the loan of a number of masterpieces from generous institutions in Europe and the United States, our visitors will be able to experience directly the poetic beauty that made Bellini one of the greatest masters of the Renaissance, and has kept him on the list of the most admired and coveted artists ever since. The exquisite beauty and delicate charm of these paintings have an aesthetic and spiritual power way beyond their modest scale. As a focused experience of sublime beauty in the service of devotion, this exhibition is as good as it gets. Not to be missed is a gross understatement.”

Giovanni Bellini was one of the most illustrious artists of the Italian Renaissance, admired for his accomplishments in all genres of painting practiced in 15th-century Venice, including religious subjects, mythological scenes, and portraits. He began his career painting small pictures intended for private devotion, later creating emotionally intense portraits as well as innovative altarpieces. Toward the end of his long life he added mythological and secular allegory to his repertoire. He was also one of the artists who championed the shift from painting in egg tempera, traditional in Italy, to painting in oil, a technique pioneered in the Netherlands. He operated a busy studio in Venice and trained many younger artists, including Giorgione and Titian. A standout among great artists both in his family and in his community, Bellini was one of the key figures who elevated the Venetian school to international repute.

“The devotional components of Giovanni Bellini’s pictures, such as a sole crucifix in a landscape or an image of Saint Jerome reading in the wilderness, are always infused with a refined sensitivity to the natural world,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty Museum and curator of the exhibition. “Bellini’s paintings feature expressively charged interpretations of sacred characters and symbols immersed in a realm of lived experiences in a way that was entirely unprecedented in Italian painting. Through this poetic use of landscape, Bellini elevated the devotional work of art to an object of worthy aesthetic admiration, thus ushering in a new chapter in the history of European painting.”

  • Christ Blessing, about 1500, Giovanni Bellini, tempera and oil on wood panel. Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas.

  • Sacred Allegory, about 1500-1504, Giovanni Bellini, tempera (?) and oil on wood panel. Gallerie degli Uffizi, Florence. Photo credit: Scala/Ministero per i Beni e le Attività culturali / Art Resource, NY.

The exhibition also includes one of Bellini’s earliest surviving works, Saint Jerome in the Wilderness, about 1455, which depicts the saint as a penitent hermit blessing a lion. He reads in a cave that dominates the picture’s foreground, while a broad, deep landscape opens out into the background. Rather than evoking the Syrian desert of the fable, the scenery recalls the gentle slope of the Venetian mainland, a feature of many of Bellini’s paintings.


The Feast of the Gods, 1514/1529

Giovanni Bellini and Titian’s The Feast of the Gods is one of the greatest Renaissance paintings in the United States by two fathers of Venetian art. In this illustration of a scene from Ovid's Fasti, the gods, with Jupiter, Neptune, and Apollo among them, revel in a wooded pastoral setting, eating and drinking, attended by nymphs and satyrs. According to the tale, the lustful Priapus, god of fertility, stealthily lifts the gown of the sleeping nymph Lotis, as seen in the painting. A moment later, he will be foiled by the braying of Silenus' ass and the assembled deities will laugh at Priapus' misadventure.

o Feast was the first in a series of mythologies, or bacchanals, commissioned by Duke Alfonso d'Este to decorate the camerino d'alabastro (alabaster study) of his castle in Ferrara. Bellini completed it two years before his death in 1514. Years later, the Duke commissioned two reworkings of portions of Bellini’s canvas. Dosso Dossi made an initial alteration to the landscape at left and added the pheasant and bright green foliage to the tree at upper right. Most famously, Bellini’s student, Titian, made a second set of alterations, painting out Dosso’s landscape with the dramatic, mountainous backdrop now seen, leaving only Dosso’s pheasant intact. It is possible that Titian wished to harmonize the Feast with the other, later paintings he also created for the camerino at the Duke’s behest. The figures and elements of the bacchanal were untouched by the later artists and remain Bellini’s own. The original tonalities and intensity of the colors have recently been restored, and the painting has regained its sense of depth and spaciousness.

Inscription

lower right on wooden tub: joannes bellinus venetus / p MDXIIII

Proveniência

Probably commissioned by Alfonso I d'Este, Duke of Ferrara [d. 1534)[1] by inheritance to his son, Ercole II d'Este, Duke of Ferrara [d. 1559] by inheritance to his son, Alfonso II d'Este, Duke of Ferrara [d. 1597] by inheritance to his cousin, Cesare d'Este, Duke of Ferrara confiscated 1598 from the Castello at Ferrara by Cardinal Pietro Aldobrandini [d. 1621], Rome, when he was acting as Papal Legate and recorded in his inventory of 1603 by inheritance to his nephew, Cardinal Ippolito Aldobrandini [d. 1638], Rome, and recorded in his inventory of 1626 by inheritance to his niece, Olimpia Aldobrandini Borghese Pamphilj [d. 1681], Rome, and recorded in her pre-1665 inventory and 1682 posthumous inventory by inheritance to her son, Giovan Battista Pamphilj Aldobrandini [d. 1710], Rome[2] Aldobrandini heirs, until the line became extinct in 1760[3] by inheritance 1769 to Paolo Borghese Aldobrandini [d. 1792], Rome by inheritance to his nephew, Giovan Battista Borghese Aldobrandini [d. 1802], Rome purchased 1796/1797 by Pietro Camuccini [1761-1833] for the collection of his brother, Vincenzo Camuccini [1771-1844], Rome[4] presumably by inheritance to Vincenzo's son, Giovanni Battista Camuccini [1819-1904], Rome sold 1853 with the entire Camuccini collection through Antonio Giacinto Saverio, Count Cabral, Rome,[5] to Algernon Percy, 4th duke of Northumberland [1792-1865], Alnwick Castle, Northumberland by inheritance to his cousin, George Percy, 5th duke of Northumberland [1778-1867], Alnwick Castle by inheritance to his son, Algernon George Percy, 6th duke of Northumberland [1810-1899], Alnwick Castle by inheritance to his son, Henry George Percy, 7th duke of Northumberland 1846-1918], Alnwick Castle sold 16 June 1916 to (Thomas Agnew & Sons, London) on joint account with (Arthur J. Sulley and Co., London)[6] inheritance from Estate of Peter A.B. Widener by gift through power of appointment of Joseph E. Widener, Elkins Park, Pennsylvania, after purchase in 1921 by funds of the estate[7] gift 1942 to NGA.

[1] Possibly commissioned by his sister Isabella d'Este final payment made to Bellini by Alfonso in 1514 painting located in Camerino d'Alabastro of the Castello until 1598.

[2] Giovan was the son of Olimpia Aldobrandini by her second marriage, to Camillo Pamphili upon his inheritance, Giovan changed his name to Aldobrandini. His brother Cardinal Benedetto [d. 1730] also inherited some paintings.

[3] In 1760, the paintings were involved in a lawsuit between the Colonna and Borghese, and were settled on the second son of the head of the Borghese in 1769.

[4] Jaynie Anderson, "The Provenance of Bellini's Feast of the Gods and a New/Old Interpretation," Studies in the History of Art 45, Symposium Papers 25 (1993): 271.

[5] Cabral was Northumberland's attorney in Rome he negotiated the transaction with Camuccini a seal with what is probably his coat-of-arms is on the back of the painting. See Anderson 1993, 269-270.

[6] The painting is number J1755 in Agnew's records (see Thos. Agnew & Sons, Picture Stock Book, 1904-1933, Section 2 [which records paintings purchased jointly by Agnew and a partner] NGA27/1/1/10, Research Centre, National Gallery, London copy in NGA curatorial files digitized and available at https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/research/research-centre/agnews-stock-books, accessed 17 May 2017).

[7] Although the painting was exhibited in 1920 at the Metropolitan Museum of Art as from the collection of Carl W. Hamilton, New York, he probably only had it on credit, as he had many paintings from Duveen Brothers, Inc. on the same basis. According to a history of the Widener collection written by Edith Standen, the Widener curator, Joseph Widener "would not have the Bellini listed as having passed through the Carl Hamilton Collection. because, he said, Mr. Hamilton never completed the payments on it." She also wrote that Widener "said the Duke of Northumberland tried to sell him the picture before World War I." (Handwritten manuscript and typed copy, Edith Standen Papers, Gallery Archives, National Gallery of Art, Washington copy in NGA curatorial files.)

The painting is not recorded as sold in Agnew's records until 1922 (see note 6). However, Arthur Sulley appears to have handled the sale to Widener. Sulley wrote to the collector about the painting in 1917, and his letter of 26 September 1921 to Widener states that the painting will be delivered around 10 October 1921 (both letters in NGA curatorial files).


Created of two simple ingredients, peach purée, and Prosecco, the Bellini is a fan favorite.

Giuseppe Cipriani, the founder of Harry’s Bar in Venice, Italy, created the cocktail. The pink-ish-colored drink was named the Bellini because it reminded him of a painting of a saint. This painting was done by 15th-century Venetian artist Giovanni Bellini.

The Bellini began as a seasonal drink item at Harry’s Bar and later, becoming popular at the bar’s New York counterpart. The cocktail is an official part of the IBA (International Bartenders Association).

The drink calls for puréed white peaches. In the original recipe, a few drops of raspberry juice were added to give a bright pink hue to the drink. Because white peaches can be hard to come by, often yellow peaches or peach nectar are substituted.

This charming cocktail is not only easy to make, but the result is delicious. Thirsty? Try making our favorite recipe for the Bellini cocktail.


Assista o vídeo: GIOVANNI BELLINI


Comentários:

  1. Thiery

    Peço desculpas, mas acho que você está errado. Eu posso defender minha posição. Escreva para mim em PM, discutiremos.

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  3. Sajinn

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    informações maravilhosamente valiosas

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